Análisis de obras cinematográficas. Vanguardias IV. Expresionismo

El Expresionismo fue uno de los primeros movimientos de vanguardias en el siglo XX y tuvo sus orígenes en la Alemania pre bélica, extendiéndose varios años, hasta el periódo de entreguerras. Surge históricamente a la par del Fauvismo Francés y es uno de los movimientos culturales que sumó campos y artistas de todo tipo (plásticos, literarios, musicales, audiovisuales), iniciando primero en el campo de la pintura.
La conjunción de artistas con ideas variadas, así como diferentes tendencias y niveles de formación, dio como resultado un movimiento heterogéneo que originó una ruptura al impresionismo, y al positivismo del anterior siglo, fuertemente marcado en las obras naturalistas, apegadas a lo objetivo de lo visible. El expresionismo es todo lo contrario, lo principal es deformar la realidad y expresarla subjetivamente, sin apegos a la apariencia de lo conocido.

Movidos por la miseria y la amargura del contexto, los artistas se vieron movidos por la intención de plasmar sus expresiones emocionales más internas, las pasiones y los temas prohibidos como el morbo, lo sexual, lo perverso, a través de colores extremos y deformaciones. La intención es que las formas y el color sirvan como símbolos. El rojo por ejemplo exhaltaba la sensualidad y la pasión, o, en imágenes de guerra, describían lo sangriento, lo bélico.
De acá surge también el existencialismo e intereses por temáticas filosóficas de cuestiones abstractas, caóticas y pesimistas. Derivó además, por su heterogeneidad, en una multiplicidad estilística dentro de este género, de los que se destacan: el expresionismo abstracto, cubista, futurista, etc. Se extendió también más allá de Alemania y más allá de aquel tiempo, con artistas de todo el mundo como Siqueiros, Orozco, Rivera, Modigliani. Durante el periódo de entreguerras aparece un movimiento que rechaza el existencialismo y el carácter individual del expresionismo, llamado Nueva Objetividad, apelando a crear obras con el mismo estilo plástico pero centrado en temáticas sociales.

Uno de mis favoritos es Wassilly Kandinsky, expresionista abstracto, acusado de drogadicto por trabajar con el punto y la línea y la aparición de formas que no sugerían ni se parecían a nada. Para mí, antes que drogadicto, es visualmente adictivo, un sinesteta consumado y admirable.
Para él, las formas geométricas y los colores diluidos remarcan la abstracción máxima de las artes. Dijo: “El espíritu de la forma hablará de los contenidos”. En la mente de Kandinsky, cada color poseía personalidad propia. Y es ue, si de la música se ha dicho que es el lenguaje del alma humana, para Kandinsky también también, pero a través de cómo "suenan" los colores, personajes de su realidad: "El color es la tecla. El ojo el martillo. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano, que por esta o aquella tecla hace vibrar adecuadamente el alma humana".
(Extracto de su libro "De lo Espiritual en el Arte").


En el cine, la vanguardia epresionista toma como especial función la crítica de la sociedad, la vida urbana, las visiones apocalípticas sobre el colapso de la civilización, el terror de las leyendas y la decadencia humana, con un discurso anti-conservador, manteniendo la estética de lo estipulado en la pintura y en la arquitectura.
Por la inexistencia de las películas a color, y lo caro que significaba el colorear manualmente cada copia, se tuvo que recurrir a los altos contrastes del blanco y negro, y esto incrementaba las apariencias fantasmales de los personajes, que no recurrían a la exageración en movimientos corporales, como usualmente se venía viendo en el cine de ficción previo.

- El Doctor Caligari, de Robert Wiene, Se trata de un film blanco y negro, en el que es notable la peculiaridad con la que los textos aparecen en pantalla. Ellos mantienen la estética y el diseño de las tipografías expresionistas, con puntas angulosas y cuerpo robusto, similar a la firma de Matisse. La trama es sobre un sonámbulo presentado por el mismo Dr. Caligari, con el poder de predecir el futuro a quien se lo pregunte, enmarcado por las luces puntuales y circulares. El sonámbulo tiene un maquillaje teatral que recuerda a un mimo siniestro. La construcción de los planos está dada por el punto de vista de los espectadores y planos-contraplanos en conjunto. Algunas veces, mientras éstos interactúan con el sonámbulo, se les separa del fondo y así mismo del grupo para acentuar sus expresiones que no son exageradas o de grandes movimientos, sino más bien contenidas y éstos se mantienen casi estáticos en sus posiciones, enfatizando los gestos en su mayoría por medio de gestos faciales en desquicio y tensión, como en posición de ataque y sin escapar del interior del plano; se mantienen fijos contenidos dentro del encuadre y el escenario.
Llama la atención una escena en la que el escenario está construido por asimetrías lineales y extrañas perspectivas que no respetan la normalidad geométrica de la realidad y recuerdan a los afiches, collages y cuadros formalistas con la ayuda de telones pintados y estructuras construidas visiblemente imposibles. La luz juega de nuevo el papel de encuadrar esas multiformas y a los personajes. En su mayoría está filmado por medio de cámara fija. Existen secuencias en paralelo, como el caso de una en la que presenciamos a los estudiantes y por otro lado lo que ocurre al Dr. Caligari. Un elemento destacable a mencionar es cuando en el caso de un crimen, éste es sugerido por medio de sombras y no por la demostración explícita del suceso.
Las noches se presentan con máximo contraste, que alcanza hasta el negro puro.

- El Golem de Paul Wegener,
la trama nos presenta a un hombre hecho de barro con vida propia, ambientada en una extraña representación del siglo XII, es decir, una Praga antigua pero expresionista, y una rusticidad fantástica, con escenarios irreales de arquitecturas que nunca existieron pero con un importante trabajo de elaboración en el que se destacan las texturas en las paredes, que se asemejan a las piedras, aunque a diferencia del anterior, la construcción escenográfica es mucho más natural y simétrica. La presentación de los textos es mucho más simple y legible. A pesar de la irrealidad arquitectónica hay menos saturación que en la anterior. Dentro de las similitudes podemos mencionar los encuadres de primeros planos enfatizados por medio de la luz puntualizada. En esos momentos, las actuaciones son lentas y tensas pero en menor intensidad que el film anterior. Otro punto a mencionar sobre lo fantástico es el efecto de magia, cuando, previa aparición de El Golem, vemos cómo aparece humo y luces flotando en el aire y una gárgola que escupe fuego, así mismo, aparecen cambios de color.
Mientras los personajes interactúan visualizamos un juego de miradas por medio del fuera de campo, y es así como el Golem y los personajes interactúan.

- Nosferatu (1922)G. W. Murnau presenta por primera vez una filmación expresionista rodada en exteriores reales, algo poco usual dentro de los films expresionistas, donde por primera vez no se hace uso de los típicos decorados fantásticos creados en estudio, pero manteniendo la intensidad emotiva que el expresionismo sugiere. En el fragmento proyectado, esto se evidencia a través del barco que se encuentra en el medio del océano, donde a sus tripulantes se les aparece el vampiro. Los marineros no tienen otra opción que tirarse al agua, ya que no tienen escapatoria.
Murnau desarrolla una historia fantástica dentro de espacios reales, que los utiliza para buscar lo extraño y amenazante en la naturaleza.

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